演奏家在努力深入了解經典后，要以其獨特的個人視角來豐富古典音樂的內涵，為這門藝術探索更寬廣的表現可能和更深邃的精神層次

我們要形成一套屬于自己的中國古典音樂體系，更好地與世界對話，更好地傳播我們的音樂

古典音樂重視聲音力度的對比，重視每個休止符的使用，以及有聲與無聲之間的美妙，欣賞古典音樂是讓人享受寧靜的時刻，在此過程中，我們可以真正認識自己

“每一個音階都不是孤立的”

記者：今年是作曲家貝多芬誕辰250周年，您剛剛在國家大劇院開啟貝多芬鋼琴獨奏世界巡演。貝多芬是大眾熟知的音樂家，他的作品音樂語匯豐富、風格變化多樣，具有強烈的創新精神。您如何理解貝多芬的作品并進行演繹？

吳牧野：這次貝多芬鋼琴巡演，對我來說既是榮幸，也是挑戰。其實，貝多芬作品早已經在我的巡演規劃之中。此前，我巡演過舒伯特、肖邦的作品，他們的風格或精致或浪漫，與之相比，貝多芬的音樂力量感十足，鋼琴家需要極強的意志和能量，才能通過演奏將其沖擊力展現出來。

貝多芬是個特別純粹的音樂家，一生秉持崇高的藝術使命。要走進貝多芬的世界，閱讀羅曼·羅蘭的《貝多芬傳》自不必說，小說《約翰·克里斯朵夫》以貝多芬為原型，同時更著筆于當時波瀾壯闊的社會現實和細致入微的人性刻畫，也是我案頭常備書。

就像作家在寫作時不僅考慮字義，還要講究字在句子里的音樂性，鋼琴演奏家也是如此。譬如貝多芬《C小調第五交響曲》，也就是大眾熟知的《命運交響曲》，以“短—短—短—長”這高度濃縮的四音動機作為全曲發展的中心。這并不簡單，因為它不僅將音樂的戲劇沖突發揮到極致，為動機性管弦樂創作確立典范，同時蘊含著作曲家抵抗厄運的堅強意志和決心。每一個音階都不是孤立的，作為演奏者要深入理解音樂內涵并展現出來。

記者：一些音樂評論家稱贊您是“原汁原味”的學院派演奏，您怎么看待“原汁原味”和個人風格之間的關系？

吳牧野：古典音樂起源于歐洲，可能因為我在巴黎學習、生活過很多年，更能體會那里人們的生活方式、心理狀態。看一部作品純不純正，最重要的是細節。就像同一句話，讀的時候語氣不同、重音不同，表達的意思可能完全不同。

我覺得一首樂曲就是一個故事。如果說作曲家是故事概況和情節走向的設計者，那么演奏者就是故事中的主角，他雖然要沿著故事脈絡推進，但人物性格、行為舉止，包括如何與背景互動，需要演奏家自行發揮。每個音的輕重、音與音之間的空間和呼吸，都會給聽眾不同的感受，這就是“度”。我的老師是鋼琴家雅克·胡維耶爾，他在演奏技巧和藝術思想上給我很多指導，比如小節間的呼吸、節奏的把控等等。當把老師的經驗融會貫通后，還要突破它，因為要形成自己的風格。正如一千個讀者心中有一千個哈姆雷特，每個人的知識結構不同、人生經歷不同，對同一部音樂作品的理解也是不一樣的。演奏家在努力深入了解經典后，要以其獨特的個人視角來豐富古典音樂的內涵，為這門藝術探索更寬廣的表現可能和更深邃的精神層次。

“更好地傳播我們的音樂”

記者：通信技術的發達，縮短了人們之間的物理距離，藝術則可以進一步讓人們的心靈靠近。如何用古典音樂促進不同文化間的交流和對話？

吳牧野：古典音樂是全人類共同的財富，文明交流是互相借鑒、互相學習的過程。比如亞歷山大·塔霍是法國著名鋼琴家，但他的技巧概念得益于俄羅斯鋼琴家格里戈里·索科洛夫。

我創作的鋼琴曲《緣》，中國朋友認為是中國音樂，法國朋友認為是法國音樂，這讓我覺得很有意思。西方優美的詩歌能震撼我們，中文世界的唐詩宋詞翻譯到國外同樣能夠感動外國人。就像中國畫和西方有的畫派，無論技法表現還是繪畫理念，都有共通之處。

近些年，世界舞臺上出現不少有影響力的中國鋼琴家，在中國學習鋼琴的人很多，但我們迫切需要形成一套中國自己的古典音樂體系，更好地傳播我們的音樂。這不是說把幾部中國鋼琴曲匯集起來就可以了，而是需要眾多藝術家、音樂人勠力同心，一起努力。

“音樂最大魅力是感受當下”

記者：很多人認為古典音樂門檻太高，很難聽懂，所以敬而遠之。怎樣讓更多人走近古典音樂？

吳牧野：音樂演出需要聽眾才完整，我希望讓聽眾感受到，他們是被邀請來的，我不愿意臺上臺下有道無形的墻。這次貝多芬巡演的曲目，我整整思考了一年，選擇了幾首知名度比較高的曲子。比如《C小調“悲愴”奏鳴曲》第三樂章的“回旋曲”，這首曲子從面世以來就非常流行，是眾多影視劇的背景音樂，也被許多音樂類游戲收錄。我希望不熟悉古典音樂的觀眾能恍然大悟：原來經常聽到的這段旋律來自貝多芬。從而以此為契機，走近古典音樂。

音樂是感性的，演奏則需要具有科學精神。比如聲音是震動而成，發出振動波，演奏者要了解物理學，懂得聲音如何變化、怎樣傳播。當振動波被聽眾接收后，會給人們帶來哪些感受，這又涉及心理學。一場演奏會的出場、亮相，演出時每一章節的停頓，曲子與曲子之間的空隙，這些細節會極大影響演出效果。觀眾看到鋼琴家的演奏舉重若輕、毫不費力，實際上是經過無數的嘗試、彩排才能達成的。

與鋼琴直接接觸的是手，但手只是第一關節，還有手腕、肘、肩膀，甚至脊椎，人的整個身體都要與眼前的樂器、彈奏的樂曲相融合。在練琴時，很多老師強調基本功，其實這個基本功就是前人在大量實踐中摸索出來的、能夠讓身體在演出時達到最佳狀態的一種訓練。剛入門的學生很難感受到基本功的作用，只會覺得它繁瑣異常，但隨著難度逐漸增加，就會發現基本功越扎實，演奏越得心應手。我在練琴之余，會進行身體的訓練，以更好地激活并控制每一塊與彈琴相關的肌肉。

我非常喜歡機械。鋼琴可以看作是一個巨大的機器，需要強大的科學技術去駕馭。鋼琴的前身是古鋼琴。古鋼琴與現代鋼琴的內部原理大致相同，但二者的發聲方式有所不同。18世紀初，歐洲大陸音樂迅速發展，音量弱小的撥弦古鋼琴已不能滿足當時音樂家的需要，改以弦槌擊弦發音。具有強弱音變化的現代鋼琴發明出來后，琴聲更富有表現力。貝多芬正處于古鋼琴和現代鋼琴的交界之處，人們能明顯感受到他的《F小調“熱情”奏鳴曲》，音響層次更加豐富，這與當時演奏樂器的變化緊密相關。

記者：隨著科技的發展，當前人們的文化生活極大豐富，音樂特別是古典音樂不可取代的魅力是什么？

吳牧野：音樂蘊含豐富、包羅萬象。人人都有創造、欣賞、分享音樂的能力，不一定非得演奏樂器，哼唱一小段旋律也可以。這是非常正向的力量，而且一點都不昂貴。

音樂最大魅力是感受當下。認真欣賞一首古典音樂作品可能要連續30分鐘的專注。聽眾和演奏者共同經歷一場音樂之旅所收獲的，最后會轉化成內在的精神力量。古典音樂重視聲音力度的對比、重視寂靜、重視每個休止符的使用。在喧囂的當代生活中，讓人得以享受片刻寧靜，在此過程中，我們可以真正認識自己。

對話人：吳牧野(鋼琴演奏家)任飛帆(本報記者)